探索布鲁斯音乐对流行乐发展的影响

内容摘要：众所周知美国黑人音乐对当今流行音乐的发展起到很大的推助作用，作为其中最重要的形式之一的布鲁斯音乐又可以说是黑人音乐中最具影响力的。本文用有限的篇幅和大家一起探索布鲁斯音乐对当今流行音乐的发展所起到的不可忽视的影响。

关键词：布鲁斯音乐、流行音乐发展、影响

当今流行音乐的发展是从布鲁斯音乐在美洲的流行开来而真正开始存在，可以说布鲁斯音乐对流行音乐的变幻和发展起到了很大的推助作用。拉格泰姆、爵士乐、大乐队、节奏布鲁斯、摇滚乐、乡村音乐和普通的流行歌曲，甚至现代的古典音乐中都含有布鲁斯的因素或者就是从布鲁斯发展出来的。

【词源】

布鲁斯的英语拼写为：Blues，在英语辞典中有这样两个解释：1忧郁；沮丧2布鲁斯：美国南部黑人之爵士音乐及舞步。在音乐中，布鲁斯又被译为蓝调音乐。这个词语中透露了情绪低调、忧伤、忧郁。英语中还有一个词语Blue devils,蓝色魔鬼与之有一致的意思。早在1798年乔治 科曼就写过一部名为《蓝色魔鬼，一幕滑稽戏》的滑稽戏。在美国黑人音乐中这个词的运用应该更老。1912年孟菲斯威廉 克李斯托夫 汉迪的《孟菲斯布鲁斯》是布鲁斯这个词在音乐中最早的书面记录，

布鲁斯音乐既指一种声乐和器乐的曲式，也指一种音乐表演风格。布鲁斯发展于美国黑人民间音乐，如劳动歌曲、灵歌和奴隶劳作场所的诉苦声。布鲁斯的音乐特点，主要在于大调音阶上降第三级音和降第七级音，有时也降第五级音。这些降半音的音符有小调的特征，而且唱到这些音时常常带有滑音、颤音，听起来哀声怨语，悲恸凄楚，感情十分丰富，所以也有人将布鲁斯译为“怨歌”。当然，布鲁斯歌曲也有一些欢乐、愉悦的作品。布鲁斯音乐的速度舒缓，节拍常为四二拍、四四拍，旋律多含切分节奏。布鲁斯歌曲的演唱风格很自由，同生活中的语言情绪结合很紧，假声、呻吟、哭泣、嘟囔都可以用来渲染烘托气氛。

   【历史】

布鲁斯音乐是生活在美国的黑人，由他们在劳作时候的歌曲发展演变而来的。美国黑人的历史可追溯到16世纪美洲沦为欧洲殖民地的时期。16～19世纪，欧洲殖民者从非洲(主要是西非、刚果和安哥拉)劫运大批黑人奴隶到美洲，其中半数以上运入今美国境内，主要在南部诸州的棉花、甘蔗种植场和矿山当苦工，深受白人种族主义者的残酷剥削和虐待。随着美国工业的发展，南方的黑人陆续迁往北方和西北方城市。1861～1865年南北战争后，虽然从法律上废除了奴隶制度，但是黑人仍受种族歧视和压迫，美国黑人在政治、经济、教育、就业、居住等方面很难享受到与白人相同的待遇。他们处在美国社会的底层，时刻受到失业、贫病和死亡的威胁。##end##

17世纪时这些黑人奴隶在农场或棉花种植园，一边被强制进行大量劳动，一边用非洲的语言进行哼唱，形成了美国黑人音乐最早的形式——做工歌和田间号子，这两种音乐形式都受到黑人在非洲时熟悉的音乐的影响。美国南方黑人与白人早期在音乐方面接触的重要媒介之一的宗教音乐，对黑人在音乐上的影响形成了黑人圣歌。这三种音乐的出现和发展为布鲁斯的诞生提供了前提。
    到了19世纪下半叶，黑人音乐风格得到了快速的发展，并同样受到非洲音乐以及美国白人从欧洲带来的传统音乐的影响，形成了一种独特的黑人民歌风格，从这种风格中便产生出了布鲁斯音乐。同时，吉他的流行是在音乐方面对布鲁斯的发展产生深刻影响的因素之一，在那之前，黑人手中最流行的乐器是提琴和班卓琴，然而吉他却是伴奏布鲁斯最适宜的乐器，这是因为吉他几乎具有人声的特性，演奏者可以利用琴弦滑音使音符走调，让吉他发出酷似人声哭泣的音响。
    布鲁斯一直是一种即兴音乐，演奏者一边演奏一边即兴编配旋律。早期的布鲁斯歌手还在演奏的同时自撰歌词，自弹吉他。因此布鲁斯抒情曲常常采用反复单一旋律的形式，曲终时再加入一行新旋律。布鲁斯一些特点反映出非洲音乐的影响，每一次声乐旋律后都接有一个短小的吉他器乐过门，这显然是普遍存在于非洲音乐中的应答轮唱形式。与欧洲风格相比，布鲁斯歌手宽阔的音域更接近非洲风格；大力强调反复，以此加强动力和兴奋高潮，更是非洲的演奏方式。虽然如此，布鲁斯却并非是一种非洲音乐，而是受到非洲、欧洲和美国三方面影响形成的一种非常独立的音乐风格。

【介绍】

声乐布鲁斯蕴含了强烈的个人情感表达，经常叙述爱情故事，以及有关背叛、遗弃和失落的爱情等等所带来的痛苦与惆怅。歌词由若干段三句体的分节组成，每一分节有同样的唱词和音乐结构。第一句唱完后大致相同的乐句重复，第三句的旋律有了变化。我们以有着 “布鲁斯皇后”之称的贝西·斯密斯的代表作《lost your head blues》中第四段中一段歌词为例。

a： 我将离开你，亲爱的，不会和你说再见。

a’：我将离开你，亲爱的，不会和你说再见。

b： 但是我会写信告诉你为什么。

一段布鲁斯唱词所配的音乐建立在一个和声框架基础上，通常有12小节的长度。这样的和声句型，称为12小节布鲁斯，其中包括3个基本和弦：主和弦（Ⅰ），下属和弦（Ⅳ）和属和弦（Ⅴ）。这些和弦的特定顺序可以概括为：主和弦4小节—下属和弦2小节—主和弦2小节—属和弦2小节—主和弦2小节。

  每一段歌词都配以同样的和弦组合，尽管有时在12小节布鲁斯的基本形中插入其他和弦。歌手既可以在每一段歌词重复相同的基本旋律，也可以按词句的不同情绪即兴创作新的旋律。音乐按四拍子写成。

布鲁斯歌手和布鲁斯器乐演奏一样，有一种特殊的演唱风格，包括“滑音” “弯音”。布鲁斯歌曲中，包括很多“蓝音”，即低于半音或不到半音的大调音阶三级、五级、和七级音。

器乐布鲁斯模仿布鲁斯歌手的表演风格，也运用12小节布鲁斯的和声结构作为即兴演奏的框架。在这种12小节的结构之上的新的旋律作即兴变化时，该结构一遍又一遍地得到重复。这有些像巴洛克时期的固定低音，重复的和弦连接起到了一种结构上的组织作用，而同时，即兴发挥的旋律线条的自由流动赋予音乐变化。这种12小节结构的音乐是欢快或悲伤的、快速或慢速的，其风格范围很广泛。

这种12小节布鲁斯曲式为乐手和歌手的即兴发挥提供了极大的自由空间，在这样的结构框架中，布鲁斯以它独特的音阶和节奏特点让人一听便能分辨这就是布鲁斯。布鲁斯音阶是最能体现布鲁斯风格的特征之一，在自然大调音阶上增加降三音和降七音以此来体现出布鲁斯的忧伤成分。布鲁斯节奏以三连音为基础，然后作不断地变化。因此想演奏（或演唱）布鲁斯的乐手（或歌手）必须建立起良好的三连音概念。布鲁斯历史上最著名的作曲家是威廉·汉迪 (William Christopher Handy ，1873～1958)，拥有“布鲁斯之父”的称号。他把布鲁斯与拉格泰姆相结合，使原来只在黑人中流传的布鲁斯被不同阶层的听众所接受。他为布鲁斯的推广和流传起到了巨大的推动作用。1960年，美国邮政部发行了他的纪念邮票，以表彰他对黑人音乐做出的巨大贡献。

从其流行地域上布鲁斯主要可分为乡村布鲁斯、酒吧布鲁斯和都市布鲁斯。

乡村布鲁斯古老而纯朴，是那些街头音乐家和盲人吉他手演奏的充满个人感伤情绪的乐曲。演奏乐器通常由一件管乐器或一把吉他承担，或者再加上演奏合作者即兴增添的打击乐器。

酒吧布鲁斯起源子美国南方低级酒吧，很可能流行于妓院。开始有其他乐器增加进来，形成简单的乐队。这可以在反映那时候的一些电影里找到这种乐队的踪影。演奏者通常以黑人为主。

而都市布鲁斯则是在赌场中发展起来的，较其他布鲁斯少些自伤自怜的成分，多些振奋人心的激情。演奏乐器也不再局限于单一的管乐器，有自己固定的乐队和演奏曲目，逐渐地也有白人乐手加入近来。这是布鲁斯音乐发展的一个重要的转折。

【布鲁斯对其他音乐的冲击力】

布鲁斯音阶对许多音乐风格都有重大的影响。许多非布鲁斯音乐中也可以找到布鲁斯音阶的使用，比如在流行歌曲中，或者甚至在交响音乐中，比如乔治·格什温的《蓝色狂想曲》和《F大调协奏曲》。事实上布鲁斯音阶在现代流行音乐中是独一无二的。有时在不意之处听众会听到布鲁斯的节奏。比如电视连续剧《蝙蝠侠》的主题歌就使用了布鲁斯的结构。著名的乡村音乐大师吉米·罗杰斯本来是布鲁斯音乐家。吉他手、歌唱家特蕾西·查普曼的名歌《给我一个理由》（Give Me One Reason）是一支12节布鲁斯，因此成为当今芝加哥布鲁斯俱乐部的经典作品。有时布鲁斯音乐用来伴奏非正式的摇滚舞，这样伴奏的摇滚舞没有固定的形态，其重点在于舞蹈家之间的接触、观察、即兴表演和身体接触。
    节奏布鲁斯可以追踪到圣歌和布鲁斯。圣歌常被说成是布鲁斯的来源。从音乐史的观点来说圣歌来自于新英格兰的合唱传统，尤其是艾萨克·瓦茨的颂歌，加上非洲节奏和启应形式，它们主要是在集体团聚或者布道团聚时产生的。它们的普及性主要来自于它内容的政治性。当时大多数乡村布鲁斯演奏家同时演奏这两种音乐，往往两者只在其歌词上有所区别。被说成是福音音乐的祖师托马斯·杜塞是典型的跨步于这两种音乐的音乐家。但是实际上福音音乐是从1930年代开始的，其最早的成功的演奏家是金门四人乐队。50年代中灵歌从福音音乐和布鲁斯音乐中接受了许多元素。60年代和70年代这些音乐形式融合成了灵魂布鲁斯。70年代的灵歌音乐和朋克音乐的后继人是嬉蹦文化和现代的节奏布鲁斯，由此可以看到布鲁斯与大多数现代流行音乐之间的关系。
    二战前布鲁斯与爵士乐之间的区别有时有点含糊。一般来说爵士乐更加强调从铜管乐队来的和声结构。但条约布鲁斯显然是两种音乐的融合。战后布鲁斯对爵士乐的影响巨大，大多数博普经典作品使用布鲁斯音调。但这个影响只是形式上的。博普标志着爵士乐从一种大众舞曲演化为一种高等的“音乐会的音乐”。布鲁斯和爵士乐的听众开始分开来，这是布鲁斯与爵士乐之间的区别才开始分明。演奏布鲁斯与爵士乐之间的艺术家被称为爵士乐布鲁斯。
    12小节结构与布鲁斯音节对摇滚乐的影响是如此的大以至于我们可以将摇滚乐称为是布鲁斯的一个衍生物或者是“退化了的布鲁斯”。摇滚乐革命时期很少有不是在布鲁斯的基础上演变过来的歌。早期美国黑人摇滚音乐家重新使用了布鲁斯中一些疯狂的内容。早期的“白人”摇滚乐的歌词比较正经一些，主要借助布鲁斯的结构和和弦，但是减少和弦的创造性和那些疯狂的内容。

重要影响之一：拉格泰姆

拉格泰姆是美国流行音乐中第一次出现真正有全国影响的音乐形式。它最初是一种钢琴音乐，盛行于19世纪90年代到第一次世界大战结束，因爵士乐的兴起而被替代。19 世纪末的新奥尔良，非常地开放和自由，比如公娼制度，在这块土地上，大量的音乐人为妓女嫖客伴奏，他们弹奏欧洲古典音乐的技巧炉火纯青。在花天酒地的气氛中，他们开始修改曲目，甚至自己创作。这里的观众没有太多的音乐素养，偶而弹错几个音符他们也不会发觉，所以钢琴师们充分地自由发挥，随意地偏离固定模式。由于长时间的演出，这些松散的艺人开始对严格的音乐标准感到厌烦，他们开始尝试新的创作，因此，由“妓院钢琴师”发展出的两种模式：即切分和即兴，成了拉格泰姆音乐的主要标志。拉格泰姆是在黑人音乐的基础上，吸收了欧洲音乐特点而发展起来的，它的最大特点是复杂的切分。比如，跨小节切分。拉格泰姆另一个典型的切分节奏特点是：在规则的节奏进行中，使用三连音，使固定的节奏律动出现临时的转变。拉格泰姆的曲式类似当时的进行曲，由三四个不同的乐段组成，每个乐段包括四个乐句（共16小节），经常重复一遍，典型的结构如：AABBCCDD或AABBCCA等，有时还加上引子和间奏。拉格泰姆很少使用小调式。像进行曲一样，它的对比性中段经常转入下属调。

重要影响之二：爵士乐

爵士乐于19世纪末、20世纪初诞生于美国的南部城市新奥尔良。19 世纪初，法国人统治着新奥尔良。由于管理相对其他州自由许多，许多非洲黑人从美国南方的奴隶主手下逃到新奥尔良享受“自由黑人”的身份。再因通婚自由，非洲黑人与法国人的结合出现了大量的混血黑人。到了19世纪末，新奥尔良的居民中除了白人、黑人外，剩下的就是克里奥尔混血黑人。南北战争前，克里奥尔人享有与白人同样的地位，接受良好的教育，包括古典音乐教育。南北战争后，由于实施新的种族隔离法，迫使他们与黑人为伍。黑人的非洲音乐传统与克里奥尔人的古典音乐训练相结合，对爵士乐的产生起到了推助的作用。

    爵士乐一般由3－8位乐手的演奏小组表演或者由10－15人的“大乐队”演奏。爵士合奏的基础在于节奏声部，节奏声部可以和巴洛克音乐中的固定低音媲美。节奏声部通常由钢琴、拨奏的低音提琴、打击乐组成，有时还包括班卓琴或者吉他，这些乐器用来保持节拍，加入节奏花样，以及提供和声支持。

爵士乐的灵魂再于即兴演奏。爵士音乐家们的创作和演奏的同时会产生一种特殊的交流，以闪电般的速度做出各种演奏的决定。优秀的即兴演奏家能表演令人眼花缭乱的丰富节奏。他们能用仅仅一小片段的音乐素材，即兴创作出几乎一个晚上的音乐。

爵士乐的即兴发挥通常采用主体和变奏的结构形式。其中的主体一般是一首由32小节构成的AABA曲式的流行歌曲旋律。即兴演奏部分通常加上在装饰、改变音高和节奏等手法，对这个原型旋律做各种变奏。有些爵士乐的即兴演奏部分建立在某个和声模式或者和弦序列的基础上。当在其之上的旋律即兴创作时，这个和声模式将不断地重复。在爵士乐中，每个基本和声模式或者旋律的呈示被称为“叠歌”。

爵士表演中经常含有由合奏中各个成员提供的即兴独奏。另外还可以有集体即兴的部分，在这之中，几位乐手同时演奏出不同的旋律，他们的音乐通过基本的和弦来取得融合。

1924年，保尔·怀特曼率领的一支白人爵士乐队曾在纽约一家音乐厅里举办过一场“实验音乐会”，演奏爵士乐式的古典音乐作品，试图把 “爵士乐”这个野姑娘变成仪态万方的贵夫人。正是应保尔·怀特曼的请求，乔治·格什温为音乐会创作了自己不朽的《蓝色狂想曲》，首次将爵士乐引入大型管弦乐。

这些独特的爵士乐音响很容易识别，但是难以用语言描述清楚。这种音响来自于音符的起音、弯音、和收尾之中的特殊演奏手法和所使用的颤音的样式，以及可描述位“涂抹”、“铲勺”、“分散”、“摇晃”等音调变化形式。

重要影响之三：摇摆乐

这种称之为摇摆乐的音乐在20年代兴起，它盛行于1935～1945年间。特点是采用大乐队，典型的摇摆乐队有大约15位演奏者，分成3组——萨克斯管组、铜管组（小号和长号）、节奏组（钢琴、打击乐、吉他和低音提琴）。这种规模的乐队所演奏的音乐事先作曲的成分多于即兴部分，也需要编配，这就是说，需要事先把乐谱写在纸上供乐手演奏。在摇摆乐中，编配者成为爵士音乐中的一个重要人物。

摇摆乐的旋律往往由乐队的全体乐手演奏，或者齐奏或者合奏。主要旋律常常由称为连复段的萨克斯管和铜管所奏的短小的重复乐句伴奏。萨克斯管是最重要的独奏乐器之一，打击乐手也起着很重要、很特殊的作用。

重要影响之四：博普

博普（bebop 或者bop ）发展于20实际40年代初，是一种复杂的表演风格，经常由小型爵士组合演奏，音乐更倾向于欣赏而不是伴舞。它的和声精致，节奏富有特色，每个演奏者在乐队中都很突出。一个典型的博普合奏可由钢琴、低音提琴和打击乐构成的节奏组伴奏下的一支萨克斯管和一支小号组成。节奏乐器的作用和以往爵士乐中的有所不同——拍子主要由低音提琴的拨奏呈示，并由鼓提供偶尔的不规则的重音。同样，钢琴手的左手不再帮助强调基础拍点，而是和右手一起在不规则的间隙间演奏复杂的和弦。旋律的长度经常变化，和弦往往由6个或者7个音而不是早期布鲁斯的4个或5个音构成。一首博普演奏的开始和结束一般是独奏或者两位乐手齐奏的主要主题的陈述。经常采用流行歌曲或者12小节节奏布鲁斯结构，作品的其余部分由基于这个旋律或者和声结构即兴发挥的独奏组成。

其他重要影响

冷爵士：出现于20世纪40年代晚期和50年代初，风格与博普有联系，但比较而言更为平静从容。冷爵士的作品篇幅一般长与博普，更依赖于编配，有时运用爵士乐中的新乐器，如圆号、长笛和大提琴。

爵士摇滚乐：摇滚乐在20世纪60年代末期对爵士乐产生了重大的影响。这种影响导致一种新风格——爵士摇滚乐的产生。此类新风格结合了爵士音乐家的即兴手法和摇滚音乐的节奏和特色。爵士摇滚小组一般都由常规乐曲以及合成器、电子钢琴、电吉他、电贝司等电声乐器组成。打击乐器组的规模大于以前的爵士乐队，经常包含非洲、拉丁美洲或者印度的乐器。节奏型不断重复是爵士摇滚乐的一个显著特点。

灵魂乐：由布鲁斯乐发展而来，这种音乐的目的就是要触及人们心灵的最软处，使受伤的灵魂得到安慰和寄托，所以也被叫做骚灵音乐。总观灵魂乐，它有着漂亮的流线型吟唱旋律和富有变化的切分节奏。在旋律音程上跨度很广，跳进的使用很频繁，歌曲难度较大。但这些特点却非常适合由嗓音厚重的黑人女歌手来演绎，所以被她们垄断这一类音乐也是在常理之中。发展到现在，灵魂乐就成了为她们量身定做的音乐了。在这个人色彩浓烈的音乐中，注定了又会产生很多个人的风格和流派。

Rap：起源于20世纪70年代美国黑人社区。是一种说唱音乐。发源于黑人音乐布鲁斯的演唱风格，歌手以单调平板的声乐垫底，口里念念有词如连环炮般发射。歌剧中的吟唱段落和诗人型爵士乐手的哼唱习俗，都是他的前身。由于注重歌词，旋律部分被弱化，为配合说的部分，其节奏强弱规律很明显，还不断变化创造出很多各式各样花俏、复杂的节奏组合。还有一种Rap只追求说唱速度和歌词在音节上的连接，不讲究旋律的运用甚至否定旋律，这又被称为饶舌乐。速度和节奏是他们追求的技术技巧，一分钟能说多少个字，成为他们能力高低的划分标准。

参考文献：《现代英汉词典》     外语教学与研究出版社

         《音乐课》          [美]罗杰·卡曼著  海南出版社、三环出版社

         《黑色灵魂歌唱系列》  江西文化音像出版社

         《西方流行音乐发展史》  尤静波   北京现代音乐研修学院

          《享乐的天堂》       樊力菡      康定师专学报2004年增刊